Biographie Deschin de Beir

Arnaud Deschin de Beir construit son parcours à la croisée de la performance, de l’installation, du commissariat d’exposition et de la création collective. La relation entre l’art et la vie quotidienne traverse ses recherches : l’œuvre peut prendre la forme d’un objet, d’une action, d’une identité ou d’une expérience partagée.

Formé dans les écoles d’art d’Amiens, du Havre, de Besançon et de Marseille, il obtient en 1994 le Diplôme national d’arts plastiques, option Art, à l’École des beaux-arts du Havre, puis en 1996 le Diplôme national supérieur d’expression plastique, option Art, à l’École supérieure des beaux-arts de Marseille. Ces deux diplômes lui sont décernés avec les félicitations du jury. Il complète ce parcours en 2000 par un DEUST de visiteur et informateur médical à l’université de Besançon, avec la mention Assez bien. En 2024, il obtient une certification de praticien en art-thérapie.

Dès le début des années 1990, il explore l’identité artistique à travers des pseudonymes construits à partir de son nom. DCH1, utilisé en 1991–1992, renvoie à Deschin ; ARTDECH, de 1993 à 1996, à Arnaud Deschin ; A 2dB, en 1997, à Arnaud Deschin de Beir. Cette succession n’est pas seulement une manière de signer : elle fait de l’identité un terrain de recherche.

Avec Arnaud le Cœur, apparu en 1998, cette démarche prend une dimension conceptuelle. À une période où il ne parvient plus à produire d’œuvres au sens traditionnel, l’adoption du pseudonyme constitue elle-même un geste artistique. Se nommer Arnaud le Cœur revient symboliquement à produire un cœur, sans que ce geste suppose nécessairement de le dessiner. Aujourd’hui, il met fin à cette succession d’identités artistiques et signe Deschin de Beir, son nom d’état civil.

Pendant ses années d’études et jusqu’au début des années 2000, la performance occupe une place importante dans sa pratique. « 100 cœurs sans toit » et les performances de l’Agneau engagent le corps, l’espace et la participation du public. La photographie, la vidéo et l’installation accompagnent ces actions et en prolongent les traces. Sa pratique du judo et du Krav Maga nourrit également cette attention au corps et à sa mise en jeu.

De 1996 à 1999, il est assistant à la Galerie Roger Pailhas, à Marseille. Il travaille pour Bloc note et participe au lancement de Crash magazine. Ces expériences lui permettent d’observer les circulations entre les artistes, les œuvres, les lieux d’exposition et les publications. Après son DEUST, il exerce pendant treize ans comme délégué médical, notamment pour Takeda Pharmaceutical. En parallèle, il poursuit ses recherches et imagine de nouveaux scénarios de performances, principalement à Marseille.

En 2009, il entreprend les travaux d’aménagement intérieur de La GAD à Marseille, selon les plans de l’Atelier XY. La première exposition ouvre en avril 2010. Il y développe une activité de galeriste et de commissaire d’exposition. La galerie est pensée comme un lieu de production, de rencontre et d’expérimentation, où l’expérience collective compte autant que la présentation des œuvres. Ses archives témoignent d’expositions personnelles et collectives, de collaborations avec des artistes et de projets conduits avec différents commissaires. Son activité s’étend également à Paris, à Malibu et à des foires d’art contemporain, dont YIA Art Fair.

Il conçoit certaines expositions comme des situations artistiques à part entière, au croisement de la création, du commissariat et de l’accueil du public. Cette approche interroge la place du galeriste dans la production d’une expérience sociale et esthétique, tout en laissant à chaque projet ses attributions et ses collaborations propres.

En 2013, « Romantic Duo » se déploie à la Friche Belle de Mai, à Marseille, sous son commissariat. En 2014, il conçoit avec Isabelle Le Normand l’exposition collective « Sunday at Home », à Malibu, accueillie par la famille Philipson du 19 mai au 15 août. Ces projets déplacent l’exposition vers d’autres lieux et d’autres formes d’hospitalité.

En 2016, il inaugure à Belleville, à Paris, un espace consacré à l’art contemporain sous le nom d’Arnaud Deschin Galerie. Il ferme cet espace en juin 2018 pour ouvrir à Bagnolet une plateforme artistique transdisciplinaire sur un plateau de 900 m² : En gare !. Le « Don du tapis vert », adressé à la galeriste Valeria Cetraro, invitée à présenter les artistes de sa galerie, en marque l’ouverture. Une expulsion interrompt ensuite ce lieu d’exposition physique. Le parcours se poursuit depuis une caravane, chez Madona Bouglione.

La Collection ADDB conserve une autre trace de ces années d’expositions et de rencontres. Cette collection d’art contemporain reste un espace de dialogue entre les œuvres, les artistes et les visiteurs. Des présentations et des performances invitées y prolongent l’expérience de l’accueil, sans confondre les œuvres de Deschin de Beir avec celles des artistes invités.

Aujourd’hui, Deschin de Beir a arrêté son travail autour du cœur comme forme artistique et développe des peintures de palmiers. Malgré sa connaissance approfondie du milieu de l’art contemporain, il ne revendique pas une carrière d’artiste professionnel. Sa recherche se poursuit principalement en dehors des expositions et du marché de l’art, dans l’accompagnement quotidien de personnes engagées dans la création plastique.

L’art-thérapie ne constitue pas seulement une évolution professionnelle : elle prolonge ses recherches sur la relation, la participation et la création collective. Avec Aigle-Abeilles, à Marseille et dans les environs, il accompagne notamment des ateliers en EHPAD et des séances utilisant les arts plastiques. L’attention portée à chaque personne et à l’expérience vécue déplace le travail artistique vers une pratique partagée.

Sous son nom d’état civil, Deschin de Beir poursuit ainsi son projet d’esthétique relationnelle à travers des peintures collectives intitulées « Séance d’art-thérapie de groupe ». Réalisées à plusieurs mains par des personnes accompagnées en atelier, à l’acrylique et à la craie, elles prennent place sur de grandes toiles montées sur châssis, au format vertical de 280 cm de hauteur sur 200 cm de largeur. Ces œuvres prolongent sa réflexion sur la participation du public en faisant de la création un processus commun plutôt qu’une production individuelle isolée.